100 beste Jazzalben des Rolling Stone, kommentiert

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COIN COIN CHAPTER ONE – GENS DU COULEUR LIBRES

roberts, jain, ryshpan, caloia, epps, lipson, bazil, sharp, hratchian, dion, zubot, davidson, gamble, amar, fortune, payant, roberts, moumneh (7/2010)

das jüngste album in der rolling-stone-jazzliste war 2011 ein instant classic. die zeit war reif für eine saxofonistin, die sich großes vorgenommen hat (bleys ESCALATOR kommt noch, mary lou williams‘ messen sind fehlanzeige, aber das waren pianistinnen). matana roberts projekt ist dabei im kern hauntologisch, als geister aus der liste sind holidays „strange fruit“ und oscar brown jr.s „bid ‚em in“ anwesend, von letzterem spricht nicht nur der signifizierte sklavenverkäufer, sondern – mit einem lässigen perspektivwechsel – auch eine der zum verkauf stehenden frauen, die (in einer fast fröhlichen musikalischen aufwärtsbewegung) sich mokierend in die käufer-interessen einfühlt. was zur hauntologie und zum signifying passt, ist, dass die musikerin und konzeptualistin hier nicht die geschichte der afrikaner in amerika aufblättert, sondern aus recherchierten geschichten und ungehörten stimmen schicksale und gleichzeitig potenziale alternativer (vergangener) zukünfte entwirft. wenn schon bestimmten menschen in der geschichte der subjektstatus aberkannt wird und ihre geschichten deshalb nicht überliefert wurden, kann man daraus auch alles unmögliche und undenkbare spekulieren. aber ein historisches vorbild gibt es in kapitel eins (wie auch in den folgenden vier, bisher, geplant sind ja zwölf) dann doch, marie thérèse coincoin, die 1778 aus der sklaverei befreit wurde und eine schwarze gemeinschaft in louisiana aufbaute.

musikalisch passt das patchwork zur kritik identitärer konzepte – vielstimmigkeit statt reduzierende opfergeschichte, auch die sounds und die töne spekulieren. das ist gleichzeitig ambitioniert zusammengestrickt und gleichzeitig völlig offen, macht viele angebote, man kann erschaudern, finger schnippen, nur über musik oder auch nur über botschaften nachdenken. der schrei geht durchs instrument und wird technisch, die subjektive vorstellung wird mit 30 menschen im studio zu einer kollektiven séance. die geister unterbrechen die gegenwart, fügen ihr brüche und verstauchungen zu. singende sägen und splitternde knochen, folter und freie wahl des geschicks. am ende heißt es „celebrate life“, auch wenn dafür vorher ein preis genannt wurde. how much would you cost?

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FUSION
giuffre, bley, swallow, taylor, olmstead (3.3.1961)

drittes album dieser schlagzeuglosen individualisten-combo, dabei verläuft die höhe der platzierung entgegen des aufnahemdatums: toll, diese band, aber irgendwie waren sie auf dem falschen weg. hier, an ihrem anfang, spielen sie noch metrisch gebunden, verschmelzen, wie der titel schon sagt, und haben im synkopierten stil und den blues-verankerungen dezidierten jazz-bezug. danach die reibung (oft zwei gegen einen, im wechsel, „tension), schließlich der freie fall in die gleichzeitige verschiedenheit, „free fall“. man muss diese titel vielleicht nicht zu ernst nehmen, aber bevor etwas fusionert, muss es ja schmelzen, und am ende geht es um den guss, also die gemeinsame form. und da ist das studio hier entscheidend, die räumliche entfaltung dieser musik, die man sich niemals live vorstellen könnte. jazz als erhitzung, der mithallende geschlossene innenraum als gussform.

manchmal denkt man: selten so etwas schönes, stimmungsvolles gehört. carla bley ist daran nicht ganz unschuldig. freigeistige songs, festflexibler rhythmus, dazwischen schillert es, aber läuft nicht aus der form. etwas heiliges, das für sich stehen darf und vielleicht kein publikum braucht. trotzdem verstehe ich nicht, dass creed taylor hier schon abgewunken haben soll. satie hat sich doch 1961 auch schon verkauft, vielleicht sogar in bachelor pads mit guten stereoanlagen? das original war in mono, vielleicht eine zu wortwörtliche übersetzung von „fusion“, die den raum unterschlagen hat.

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SAXOPHONE COLOSSUS
rollins, flanagan, watkins, roach, weinstock, van gelder (22.6.1956)

jetzt war ich mir eigentlich sicher, dass in dieser liste das albumformat ernstgenommen wird und entsprechende medienbewusste konzepte besondere wertschätzung erhalten – und dann kommt als rollins-spitzenprodukt eben doch nicht die FREEDOM SUITE ins rampenlicht, sondern diese durchbruch-session, die meiner ansicht komplett in 2 teile zerfällt. seite eins gehört für mich zum besten, was ich vom jazz dieser zeit kenne. und seite zwei besteht meiner ansicht nach aus zwei unnötig ausgedehten fillern, denen der biss der drei anderen stücke komplett abgeht. für beide aussagen darf ich wahrscheinlich widerspruch erwarten.

„st. thomas“ und „strode rode“ zu lieben, ist wahrscheinlich nachvollziehbar. tolle beispiele, wie ein analytischer zugang (von rollins und roach) eben nicht zu kühle, sondern zu großer hitze führen kann. der umschwung des ersten vom calypso in den swing, die stop-and-go-struktur (stau und ausbruch) des zweiten stücks sind alte tricks, aber hier einfach umwerfend. netze werden geworfen, über akkorde (rollins) und rhythmen (roach), und dazwischen springen sie frei umher. ein bisschen mackerhaft, autoritär und in totaler kontrolle, vorgebend, wo es langgeht – dann der kontrast zum reduziert spielenden flanagan, dem zwar manchmal die luft ausgeht, aber so selbstsicher bei sich bleibt, dass rollins dagegen umso angespitzter wirken darf (und: fantastisches klaviersolo über „strode rode“, wirklich – da wird hitze nochmal ganz anders erzeugt). und auch der balladenstandard profitiert von analyse und kontrast, rollins will da die ganze zeit über mehr als nötig, das setzt sich nichts, nimmt nichts platz, sondern wirft die ganze zeit fragen auf, warum das so intensiv unter druck gesetzt wird. schwachpunkt der gesamten aufnahme ist für mich watkins, der vielleicht einen schlechten tag hatte oder einfach nur seinen job machen wollte – sture, fast maschinelle begleitung, ein nicht sehr inspiriertes solo, als einziger kriegt er nicht mit, wie aus den fours ein schlagzeugsolo entsteht, nur beim blues ist er agiler, auch wenn sein intro dazu etwas unscharf ausfällt.

„moritat“ und „blue 7“ dagegen (ohne weh zu tun): entspannt, midtempo, nach 4 minuten sind alle eigentlich fertig, dann muss roach nochmal ran, dann reicht es immer noch nicht. vielleicht lag eine mittagspause dazwischen, vielleicht waren die verabredungen bei beiden zu locker, vielleicht mag ich einfach den mackie-messer-song nicht. aber da wird das programm zu einer dehn- und streckübung, während „st.thomas“, zunächst auf ein schimmerndes skelett mit polierten knochen reduziert, das plötzlich zu hüpfen anfängt, mich immer noch herausfordert.

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ATTICA BLUES
shepp, hull, wilson, massey, burrowes, ridley, mcghee, thornton, stephens, zawadi, grenlee, jami, brown, white, robinson, alexander, ware, jenkins, davis jr., burrell, dupree, garrison, jemmott, wilson, harris, higgins, anderson, sultan, dfense, blake, shankar, lipscomb, scott, armstead, robinson, massey, franceschini, michel, may (24.-26.1.1972)

„i would rather be a plant than a man in this land“, wird zwischendurch der dichtende drummer william g. („beaver“) harris zitiert. das mit dem um- und verpflanzen hatte shepp zu diesem zeitpunkt kurz unterbrochen und sich wieder eingetopft in seine impulse!-connection, in die blutgetränkte erde des heimatlands und neue triebe gebildet im verzweigten wurzelsystem der afroamerikanischen musik. r&b, soulgesang, e-pianos, streicher, sopransaxofon und drones vom bassisten john coltranes sind zu hören, als patchworkgebilde nicht total fremd im shepp-system (in der pariser zeit und davor gab es bluesharmonicas, spirituals, bossa nova und early-jazz-referenzen), deutlicher sind hier aber die popmusikalischen angebote. der kommerzialisierungsvorwurf trifft natürlich nicht, es geht um geteilte erfahrung, und eh, frei nach amiri baraka, ist jeder beitrag zur afroamerikanischen musik ein politisches statement.

interessant, ATTICA BLUES nach matana roberts zu hören, ein weiteres aufgeladenes vielschichtiges gebilde seiner zeit mit vielen möglichkeiten des unterschiedlichen einhakens. der produzent ed michel setzt aber nicht auf einen live-organismus, sondern montiert ein studioschichtwerk, in dem musikstücke von rezitationen unterbrochen werden, es gibt überblendungen, fade-outs, wechselnde besetzungen. ein soundtrack der misere in fragmentierter schönheit. das ist nicht unbedingt ein shepp-album – seine individuelle stimme verschmilzt hier genauso wie die von anderen mehrfach verpflanzten und umgetopften freigeistern wie marion brown, clifford thornton, dave burrell oder beaver harris. trotzdem ist es wichtig, dass das hier alles so gerade nicht funktional klingt: der im musikgeschäft glücklose soulsänger carl hall (hier als „henry hull“) bringt eine androgyne spannung mit ein, am ende singt cal masseys junge tochter, deren einsatz deutlich macht, dass es hier nicht um pitch geht – und natürlich spielen auch die von leroy jenkins angeführten streicher, marion brown, cal massey und shepp selbst keine glatten floskeln. richtige shepps-fans hätte (bzw. haben bestimmt auch) den albumvorgänger THINGS HAVE GOT TO CHANGE höher platziert, aber ATTICA BLUES ist deutlichere konzeptmusik, hat einen album-flow und den ereignisreichen spagat zwischen linksaktivistischem netzwerk, literarizität und afroamerikanischem popkontinuum. hier ist musik vielleicht nicht the healing force of the universe, aber unbedingt jahrhundertelange sorge um die menschliche seele, die in polizeiattacken auf protestierende inhaftierte auf der strecke bleibt.

danke, das war mir gar nicht klar. auf wiki wird gemutmaßt, dass sie andere sklaven, z.t. angehörige, gekauft hat, um sie aus problematischeren abhängigkeitsverhältnissen zu befreien. so oder so ein komplexes ökonomisches system.