100 beste Jazzalben des Rolling Stone, kommentiert

27

STRAIGHT, NO CHASER
monk, rouse, gales, riley, macero, laico (14. & 15.11.1966, 10.1.1967)

das cover, und dafür gab es einen grammy, ist mir unsympathisch. nicht unbedingt die schrägheiten der komposition, die technik-bezüge, die einzelteile aus dem klavier, sondern die verbindung von monk-porträt und den fantasie-rädchen und mechanischem gewerk, das hier platt in monks gehirnregion platziert wird. der maestro tickt halt anders, vielleicht hat er sogar eine schraube locker. die marketingstrategie scheint mir klar: von monk kommt nichts wirklich neues mehr, aber so einen wie ihn gibt es eben kein zweites mal.

dieses album ist das letzte in der liste, das ich vorher nicht kannte, aus monks spätphase ab mitte der 60er ist mir nur UNDERGROUND vertraut. zunächst war ich sehr glücklich mit STRAIGHT, NO CHASER – eine reduzierte quartettplatte in gutem sound, mit inspirierten musikern, die die extrovertiertheiten des pianisten schön im traditionellen bandsystem verankern, sich nicht irritieren lassen, nur riley wirkt etwas schüchtern. das material irritiert auch nicht, die wievielte aufgenommene version des titelstücks ist das jetzt? und „locomotive“ und „we see“ gehen ja in die gleiche richtung: simple themen, wenig harmonische rafinesse. eigenartig ist das japanische lied, „kōjō no tsuki“, das von rouse etwas gewaltsam im staccato wie ein hardbop-thema behandelt wird – und insgesamt sehr lang dauert. auch die ellington-ballade ist eine ungewöhnliche wahl, nicht oft gespielt, aber mit vertrauten harmonien (ich höre „everything happens to me“ heraus). rouse ist durchgehend fantastisch hier, monk hat virtuose, frische momente, und gales hat sich fest vorgenommen, sich nicht zu langweilen. auf dauer fühle ich aber die formeln, alles wirkt eigenartig gestreckt, zu oft wiederholt, fast ausgedünnt. im titelstück hat das schon wieder einen eigenen reiz, man weiß nicht, was sie jetzt noch dranhängen – und zwischenzeitlich bewegen gales und riley das ding zu zweit. aber oft verstehe ich die tracklängen nicht für diese knackige band und die wenigen akkorde. nochmal studiozeit, sorgfalt, aufmerksamkeit für einen der individuellsten personalstile im jazz, eben: weil. hat das quintessenz-charakter? würde einem als monk-fan dieses album auf der einsamen insel reichen? auf jeden fall eine interessante begegnung, so hoch in der liste.

25

JOURNEY IN SATCHIDANANDA
coltrane, sanders, mcbee, haden, ali, gupta, wood, shabazz, coltrane, michel, o’brien, musgnug (4.7./8.11.1970)

das letzte stück heißt „isis and osiris“. der mythos beschreibt die erfolgreichen anstrengungen einer witwe, die verstreuten einzelteile ihres mannes wieder zusammenzusetzen, so dass er – in anderer form – weiterleben kann. die übertragung auf alice coltrane ist etwas morbide, aber sie hat das wahrscheinlich nicht so empfunden und diesen titel sehr bewusst ausgewählt.

1961 stellte john coltrane im village vanguard ein stück namens „india“ vor, das auf einer drone-figur beruht, die ahmed abdul-malik wahrscheinlich mit einer tanpura erzeugte. eine anbindung der relativ frischen idee von modalem jazz an eine form von indischer klassischer musik, ein stück imaginärer folklore, ohne spielpraxis mit indischen musikern und ohne studium vor ort. 9 jahre später, kurz vor ihrem abflug nach indien, lädt alice coltrane eine us-amerikanische tanpura-spielerin mit indischer familiengeschichte (tulsi sen gupta) in das heimstudio im coltrane-haus ein, um sich auf die reise vorzubereiten – und setzt so einzelteile ihres verstorbenen mannes so zusammen, dass sie selbst etwas für sich völlig neues entdeckt.

1970 ist john schon 3 jahre tot, die mitglieder seiner bands haben sich weiterentwickelt, sanders und ali haben die quartett-zeit integriert, aber eigentlich an ihren eigenen sachen weitergearbeitet, genauso wie alice coltrane. die flirrenden mantren, für die JOURNEY IN SATCHIDANANDA so berühmt ist, mit ihren tanpura-drones, den schimmernden glöckchen und anschlaglosen tamburinvibrationen, den auseinanderlaufenden harfenarpeggien, dem ätherisch-nasalen sopransax von sanders, sind ja nur ein einzelteil, das mit anderen zusammengesetzt ist. ein anderes ist das immer wieder ins fast bodenlose abrutschende blues-piano, mit dem alice an ihre spielpraxis vor der john-zeit anknüpft. sanders und ali haben wege gefunden, sich in der loop-struktur der stücke zurechtzufinden und sie unter spannung zu setzen, ohne permanent den höhepunkt zu suchen; und cecil mcbee spielt die tragfähigen bass-ostinato immer noch so, als würde er improvisieren (außerdem gibt es ein grandioses solo von ihm auf dem album). der rest ist textur, mit stichen und nähten, an denen ältere einzelteile hängen. und alles gerät neu ins schweben.

als ich alice coltrane mitte der 90er für mich entdeckte (auf EXPRESSION), war sie eine komplett obskure figur. ornament in der schwierigen spätphase john coltranes, mit wenigen soli und live oft schlecht aufgenommen, die sich später in esoterische randzonen verabschiedete, musikalisch nicht mehr in erscheinung trat und zurückgezogen in einem ashram lebte. das änderte sich schrittweise kurze zeit später. 1995 brachte sie weiteres sessionmaterial der letzten coltrane-band heraus, mit konzisen, kurzen improvisationen und interplays, die man vorher eben nur auf EXPRESSION entdecken konnte, wenn man denn wollte. ein paar jahre später gab es plötzlich compilations ihrer impulse!-alben, noch ein paar jahre später auch aus der warner-zeit, es tauchte ein vielgeteilter mix aus stücken ihrer ashram-tapes auf, 2004 kam dann schließlich das comeback-album, das mühelos elemente ihrer gesamten musikalischen entwicklung vernähte. und jetzt steht dieses album, in dem ich immer noch neue details höre, auf platz 25 einer liste der besten jazzalben. damit will ich jetzt nicht sagen: ich hab’s ja immer gewusst bzw. gehört – aber was mich damals für ihre musik sensibilisierte, als ich ihre beiträge auf EXPRESSION und ihre obskurisierung in den damaligen texten gegeneinander abwog, war wohl, dass ich erfahrungen nachvollziehen konnte, wie man in normativen lesarten aus dem blick und aus der geschichte verschwinden kann. und dann doch wieder nicht.

gypsy-tail-wind
Danke für den schönen Text zu „Journey in Satchidananda“. Ich bin Dir ja echt dankbar für Dein ständiges Werben hier im Forum für die Musik von Alice Coltrane – vielleicht hätte ich den Zugang sonst nie gefunden bzw. erst viel später mal wieder einen Anlauf genommen

sehr gerne geschehen ich habe das so gar nicht wahrgenommen, da hat sich bei mir selbst sehr viel noch während der forumszeit entwickelt. ich kann übrigens auch gut nachvollziehen, wenn man mit alice coltrane nicht so viel anfangen kann.

24

MIDNIGHT BLUE
burrell, holley, english, turrentine, barretto, lion, van gelder (8.1.1963)

endlich ein gitarrenalbum! und das aus einer zeit, in der man noch begründen musste, wenn man dabei auf ein klavier verzichten wollte („not that he believes in exclusively in pianoless rhythm sections as such, but the sound just wasn’t required for concept of the groove he wanted to establish“). burrell nimmt für sein blues-album sein eingespieltes trio und lädt zwei gäste dazu, der eine naheliegend (turrentine), der andere kein bisschen naheliegend (barretto). man muss beim ergebnis über erotik sprechen, über eine masterclass in spannungsvoller zurückhaltung, die man auch „laszivität“ nennen könnte. das kommt aus der rhythm section, vor allem durch den großartigen drummer bill(y) english, der eine langsame samba mit r&b-beckenbegleitung spielen kann (und einen kunstvoll verschleppten 3/4), aber rätselhafterweise auch durch die conga, die – ganz vorne links im mix – sehr nah am ohr trommelhaut berührt, streichelt, beklopft. ein blaues feuer, reduziert, ein bisschen müde, ein bisschen unstet im wechsel von wisperern und aufschrei. das ist die große kunst des gitarristen, der sprechende linien spielt, in denen zwischen forte und dreifachem pianissimo eine menge bewegung ist (egal, ob ein- oder zweitönig oder akkordisch, egal ob solo, im trio, quartett oder quintett). die gitarre produziert hier nicht nur notierfähige töne, sondern wellen, seufzer, räusperer, ein gähnen manchmal. etwas, was im extrem dann zu james blood ulmer führt. turrentine macht das alles auch, und ergänzt ein leichtes zittern. aber – aus der perspektive der langsamen nummern endloser 80er-jahre-bluesrock-programme, die das album bestimmt alle einverleibt hatten – ist das hier von immer noch frischer zurückhaltung, die eine zurückhaltung vor dem sprung ist, kein verschwitztes bad im eigenen saft. reid miles hätte auch ein pinkes cover mit kleinen blauen akzenten machen können.

ich habe davon eine shm-cd, und der sound ist fantastisch (ob das nun wirklich am material liegt oder daran, dass da doch nochmal mit dem master gearbeitet wurde, weiß ich nicht). es tut manchmal wirklich gut, blue-note-aufnahmen ohne klavier zu hören