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gypsy-tail-windWas ist „Floater“ nochmal? Ein Teil-Reissue von „Footloose“? Auch so ne Session (eine superbe in der Tat) mit schwer durchschaubarer VÖ-Geschichte (wie Brand im Montmartre).
Floater wurde 1984 veröffentlicht und enthält die gesamte A-Seite von Footloose! sowie drei unveröffentlichte Stücke dieser Sessions, Syndrome erschien dann 1986 mit der kompletten B-Seite von Footloose! sowie em Rest der Sessions. Erst die CD-Ausgabe mit dem Titel The Complete Footloose enthielt dann alle 15 Stücke. Die in diesem Jahr veröffentlichte ezz-thetics-Ausgabe Floater & Syndrome The Upright Piano Sessions Revisited verzichtet auf die beiden Alternative-Takes und enthält 13 Titel.
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Hey man, why don't we make a tune... just playin' the melody, not play the solos...Highlights von Rolling-Stone.deWerbungAch ja, danke für die Erinnerungshilfe … hatte mich sehr geärgert, als ich die ezz-thetics-CD studierte und die zwei fehlenden Takes sah.
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"Don't play what the public want. You play what you want and let the public pick up on what you doin' -- even if it take them fifteen, twenty years." (Thelonious Monk) | Meine Sendungen auf Radio StoneFM: gypsy goes jazz, #168: Wadada & Friends - Neuheiten 2025 (Teil 2) - 9.12., 22:00 | Slow Drive to South Africa, #8: tba | No Problem Saloon, #30: tbaich meinte aber FOOTLOOSE 😉
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Russ Freeman – Safe at Home | Zur Nacht noch ein Nachtrag zu Russ Freeman auf Pacific Jazz – eine CD, die vor 20 Jahren bei Just a Memory/Justin Time herausgekommen ist, bei Discogs nicht gelistet ist, und Freeman im Orpheum Theatre in Vancouver präsentiert. Wer ihn an Bass und Drums begleitet, ist unbekannt, aber die beiden sind ziemlich gut und Freeman ist spitze. Larry Kart hat drüben auf Org einiges dazu geschrieben und auch den schwer greifbaren Stil von Freeman zu beschreiben versucht:
Larry Kart
The best Freeman on record I know, a well-recorded concert from Vancouver in 1959, with a simpatico but unidentified bassist and drummer. Not for the first time, I find Freeman’s style hard to describe. Two-handed, even two-fisted, and rather bluesy at times, he might seem to have been inspired by Horace Silver (as the somewhat similar East Coast pianist/onetime Getz sideman John Williams certainly was), but this was Freeman’s style from early on, when Horace was not well known. A link to Hampton Hawes is possible, but I think that Freeman was basically his own man. Nor, despite his presence on the West Coast, was he ever into the neo-Basie groove that so many pianist of that locale and era favored. Also — and this album is a fine example — Freeman was a melodist with both hands to an uncommon degree; seldom if ever do I hear that familiar right-hand single-line melody/left-hand chordal comping texture from him; rather, melodic activity not only tends to be evenly distributed between hands but also is just as likely to be both chordal and single-line in a typically dense interactive manner. That characteristic density, if I had to pick one thing, is what makes Freeman distinctive. That he was a backer of Dick Twardzik and was responsible for Twardzik’s Pacific Jazz trio date may be no accident, for Twardzik had some similar traits, though Freeman was not as overtly „far out“ as Twardzik was. Another echo might be to Kenny Drew — not of influence again but affinity, in that both men, much as they obviously admired Bud Powell, also sound as though they were fond of boogie woogie pianism in their formative years. In any case, this is one fine record.Karts Antwort auf Jim Sangreys Einwurf, ob die Linke ev. von Al Haig komme, ist nochmal interessant:
Larry Kart
But Haig didn’t have any of that rumbling (perhaps updated boogie-woogie in origin, again almost literally two-fisted) attack that typifies Freeman’s playing, nor the at times aggressive bluesiness/funkiness, nor IIRC does Haig set up and/or employ, as Freeman does, a sense of ongoing, edgy byplay and bounce between right and left hand activity. (Again, IIRC, with Haig the relationship between right and left hand is one of more or less seamless flow, with what figures originate where not being emphasized, even being somewhat concealed in the service of that sense of flow, while with Freeman one always knows what hand is generating what — his is a style where he wants us to know and feel that.) Further, in case I didn’t mention it above, especially on this album I’m struck by how much — in the midst of all that density and two-handed drive — virtually everything Freeman plays is fundamentally in-the-moment melodic, virtually no „gestural“ figures, so to speak. (I should add, however, that Freeman’s melodicism, attractive though it is, is notable more for its consistent flow/drive, not as with Haig or Duke Jordan, for producing shapes of jaw-dropping beauty/resolution. Again, there is, as with other aspects of Freeman’s approach, something that seems a tad paradoxical here; that is, if one has that consistent a melodic gift, why does it seldom if ever reach, or reach for, what might be called a lyrical climax? Could it be a kind of insistence on „masculine“ drive and forcefulness on Freeman’s part, that almost-omnipresent rumble factor?) Finally, Freeman was a fine composer — his ballad „The Wind, “ for one, but the title track from this album is another handsome ballad with a strong spine, and then there’s his memorable „groove“ tune „Fan Tan“ and others.https://www.organissimo.org/forum/topic/79459-russ-freemans-safe-at-home/
Ich weiss nicht mehr, wann und wo ich die CD gekauft habe, nur dass es ein Blindkauf war (den kleinen Faden auf Org hab ich erst später entdeckt) – ich bin allerdings völlig einverstanden, dass das ein super Album bzw. Konzertmitschnitt ist (und Freemans beste Aufnahme, was nicht schwer ist, es gibt ja kaum welche unter eigenem Namen).
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"Don't play what the public want. You play what you want and let the public pick up on what you doin' -- even if it take them fifteen, twenty years." (Thelonious Monk) | Meine Sendungen auf Radio StoneFM: gypsy goes jazz, #168: Wadada & Friends - Neuheiten 2025 (Teil 2) - 9.12., 22:00 | Slow Drive to South Africa, #8: tba | No Problem Saloon, #30: tbaDanke für die Zitate, „Haig or Duke Jordan, [..] producing shapes of jaw-dropping beauty/resolution“ fasst auch die zwei gut zusammen… Und danke für den Text zu Rowles, hab ich neulich vor unserer Umfrage noch gehört, er hat seine Rolle vielleicht erst später voll gefunden, aber das ist schon sehr schön…
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.Ja, die Erläuterungen zu Freeman sind super – und die Bemerkung zu Haig und Jordan fielen mir auch ins Auge. Jordan kenne ich im Trio viel zu schlecht (hab vorhin das Signal-Album hervorgeholt, immerhin ein halbes Trio-Album … und dabei auch noch Valdo Williams gefunden, was vielleicht noch ein Hinweis für @vorgarten wäre in Sachen abenteuerliche Piano-Trios der mittleren Sechziger?)
Ich bin jetzt hier, mittendrin, also gerade am Anfang von „Explorations“, nachdem gestern und heute früh zweimal „Portrait in Jazz“ wieder lief:
The Bill Evans Trio – Haunted Heart: The Legendary Riverside Studio Recordings | Das ist grossartige Musik … die eigenwillige Kälte von „Portrait“, die vorgarten schon herausgestrichen hatte, fällt mir aber auch wieder krass auf. Ich hätte das, bis ich vorgartens Bemerkung neulich las, nicht so formulieren können, weil ich nicht genau wusste, was das ist, das mich seit meiner Teenager-Zeit, als ich das Album (und damit Evans) in der Schulbibliothek entdeckte, mit diesem Album immer ein wenig fremdeln liess, obwohl ich es zugleich grossartig fand („Kind of Blue“ gab’s in der Klangbrei-Ausgabe mit dem seitenverkehrten Siebziger-Cover – das funktionierte für mich dann erst später in der Legacy-Ausgabe von 1997 bzw. der Miles/Coltrane-Box richtig). „Explorations“, ein gutes Jahr später, klingt schon merklich anders, und Motians Spiel hat sich konsolidiert, die Kälte ist einer angenehmen Wärme gewichen, die Sonne scheint durchs Fenster, auch wenn Evans den Vorhang noch nicht zu öffnen wagt (später gibt es ja noch das Herrenzimmer-Foto auf dem Cover von „A Simple Matter of Conviction“ als eine Art Fortsetzung).
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"Don't play what the public want. You play what you want and let the public pick up on what you doin' -- even if it take them fifteen, twenty years." (Thelonious Monk) | Meine Sendungen auf Radio StoneFM: gypsy goes jazz, #168: Wadada & Friends - Neuheiten 2025 (Teil 2) - 9.12., 22:00 | Slow Drive to South Africa, #8: tba | No Problem Saloon, #30: tbagypsy-tail-windJa, die Erläuterungen zu Freeman sind super – und die Bemerkung zu Haig und Jordan fielen mir auch ins Auge. Jordan kenne ich im Trio viel zu schlecht (hab vorhin das Signal-Album hervorgeholt, immerhin ein halbes Trio-Album … und dabei auch noch Valdo Williams gefunden, was vielleicht noch ein Hinweis für @.vorgarten wäre in Sachen abenteuerliche Piano-Trios der mittleren Sechziger?)
danke, das album kenne ich – wahrscheinlich hier aus dem forum. ich mochte das damals nicht so, fand die „freien“ anteile sehr äußerlich und hab das ansonsten als hau-drauf-modaljazz-powerplay in erinnerung.
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RED GARLAND – Auf Wiedersehen
Bei genauer Betrachtung schon ungewöhnlich, das erste Stück ist von Joe Henderson, Garland brachte 2 neue (?) Stücke und mit Daahoud von Clifford Brown hat man vielleicht auch nicht gerechnet. Und diese kleinere (?) Piano Trio Reihe von MPS ist eigentlich cool und zeigt vielleicht, dass man nicht nur Peterson Alben machen wollte. Hampton Hawes machte noch ein Album für SABA, es gibt je eins auf MPS von Roland Hanna und eins von Barry Harris (beide nicht schlecht). Diese Aufnahme ist von 1971, aber die Platte erschien erst 1975. Zur Musik: Fernab von Trends klingt die Musik, es könnte 1967, 1994 oder 1977 (in Japan?) sein. Der Grund für das Comeback von Red Garland ist vielleicht abgesehen von der persönlichen Geschichte, dass er ein großartiger Musiker war. Leute wie Ben Riley, George Coleman, Kenny Burrell, Jimmy Heath, Al Foster, Frank Grant, Frank Butler, Ron Carter und Philly Joe Jones waren noch bei diversen Platten von Garland dabei. Verglichen mit dem Output bei Hank Jones, ist der von Jones ab den 70ern wahrscheinlich sehr viel größer, aber Red Garland war auch noch da.
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Duke Jordan – Trio / Quintet
Lorraine Geller at the Piano
Toshiko Akiyoshi – The Many Sides of ToshikoIch komme hier heute eigentlich nicht rein, mühe mich seit 5-6 Stunden mit der Bob Marley-Auswertung ab … es liefen derweil nebst den Bill Evans Sessions noch drei Alben aus den Fünfzigern, nochmal ein kleiner Rückblick. Duke Jordan hat ja in dieser frühen Zeit kaum im Trio aufgenommen, aber das halbe Signal-Album (44 Minuten, 5 Stücke pro Seite, eigentlich jede für sich ein 10″-Album) ist im Trio mit Percy Heath/Art Blakey entstanden (Oktober 1955, die B-Seite vom November ist auch speziell: wer stellt sich schon ein Quintett mit Posaune und Baritonsaxophon zusammen – Eddie Bert und Cecil Payne kommen zum Trio dazu). Das ist dunkel, schön, aber packt mich nicht so richtig. Anders Lorraine Geller, die besonders auf ihren Originals mit sehr viel Verve unterwegs ist, in Richtung Freeman oder Wallington oder so geht, während die Standards insgesamt ruhiger sind, aber auch Passagen enthalten, in denen die Töne sich beinah überschlagen. Ein sehr schöner, für meine Ohren erfrischender Touch … und das schon 1954, mit Leroy Vinnegar am Bass und Larance Marable bzw. Buzz Freeman am Schlagzeug (es ist unklar, wer wann: „most often Lawrence Marable, replaced occasionally by Buzz Freeman“, steht auf der Rückseite). Toshiko ist näher an Bud Powell, aber da stecken auch Tatum und Wilson drin. Zu dem Zeitpunkt, im Herbst 1957, ist das alles auch schon recht eigenständig, sie hat das Idiom komplett im Griff. An ihrer Seite hat sie Gene Cherico und John Harris. Die kleine Entdeckung hier ist Geller, die ich kaum kenne (eigentlich nicht ohne ihren Mann, den ich in der Regel nicht soooo super finde).
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"Don't play what the public want. You play what you want and let the public pick up on what you doin' -- even if it take them fifteen, twenty years." (Thelonious Monk) | Meine Sendungen auf Radio StoneFM: gypsy goes jazz, #168: Wadada & Friends - Neuheiten 2025 (Teil 2) - 9.12., 22:00 | Slow Drive to South Africa, #8: tba | No Problem Saloon, #30: tba
soulpope "Ever Since The World Ended, I Don`t Get Out As Much"Registriert seit: 02.12.2013
Beiträge: 56,976
Barry Harris Trio „Even Tempered“ (Xanadu) 1978 …. Barry Harris mit George Duvivier (b) – was für ein 🤩Bassklang🤩 – und Leroy Williams (dr) spielen gekonnt ausschließlich Eigenkompositionen des Pianisten…. dies ein Genuss und gemeinsam mit bzw alternativ zu einer weiteren Xanadu Studioaufnahme ein veritabler Kandidat für meine Top20 ….
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"Kunst ist schön, macht aber viel Arbeit" (K. Valentin)
corea, vitous, haynes, now he sings, now he sobs (1968)
jetzt bin ich bei einem heißen kandidaten für die nummer 1 – für mich eigentlich das perfekte klaviertrio-album, komplett neues, standard-taugliches material, biss, drive, komplexe harmonien, ein unglaubliches interplay, ich finde vor allem die rhythmische ebene ohne vergleich, die ist ins material aber schon eingeschrieben. alle drei denken das format ganz frisch, i-ging machts möglich, da geht es immer eine stufe weiter zur neuen harmonie, jedes solo leitet eigentlich zu etwas neuem über, aber das hat auch eine ganz materialistische ebene: im kurzen closer, was ja eigentlich eine geräuschstudie ist, drehen sie ihre instrumente auf links und geben uns materialproben, wie um zu sagen: mit dem widerspenstigen zeug haben wir vorher 37 minuten lang magie erzeugt. miroslav vitous reiht sich hier ein in die neuen elastischen bassisten (nach la faro, peacock, swallow, haden), die zugleich basis und ornament spielen können. und dann hat man mit roy haynes noch einen patentiert individuellen swing eingekauft. und – das hilft auch: die tone-poet-ausgabe, die ich habe, konnte zwar hörbar nicht mehr auf ein perfektes masterband zurückgreifen, aber die dynamik des geschehens noch mehr herausarbeiten als ich das im ohr hatte. und die vielen anderen stücke, die auch noch auf diesen sessions entstanden, sind ja mindestens genauso gut (aber das album ist, so wie es ist, perfekt).
am ende wird sich nach tageslaune entscheiden, ob ich diese perfektion, oder den ausnahmefall CHANGELESS oder die wild cart SEGMENTS ganz oben festbinde.
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jarrett, haden, motian, somewhere before (1968)
jarrett mit seiner ersten band live in shelly’s manne-hole, sie probieren ziemlich viel aus, ein leichter hippie-wind weht durch den raum, der opener ist von bob dylan, aber auch ein alter stadard („dedicated to you“) steht auf dem programm. viel mehr soul und gospel hier als auf dem debüt, auch ein paar experimente mit proto-jazz-rhythmen, die in freejazz übergehen (hallo, jason moran!), manches kommt da nicht zusammen und fasert aus, aber der kollektive spaß ist schön zu greifen. von hier aus scheint der weg zum amerikanischen quartett allerdings noch ziemlich weit.
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evans, gomez, dejohnette, at the montreux jazz festival (1968)
bevor ich NOW HE SINGS… kannte, war das hier das perfekte klaviertrio-album für mich. immer passiert was, egal wo man hinhörte. ich mochte vor allem das leicht krawallige, was ich heute eher als lebendig beschreiben würde. nachdem ich heute morgen als dehnübung aber die relativ ereignislosen aufnahmen aus villingen-schwenningen gehört habe (verlorengegangen und detektivisch wieder aufgespürt), dachte ich, dass auch montreux für mich seienn reiz verloren haben könnte, aber das ist nicht der fall. tatsächlich finde ich es erstaunlich, wie gut das neben corea und jarrett z.b. in der zeit mithalten kann. sehr überzeugend auch die balladen, wobei das unbegleitete „i loves you porgy“ ein bisschen nach verzweifeltem hotellobby-pianisten klingt, dem niemand zuhört. bleibt also auch im favoritenkreis.
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hawes, woode, taylor, spanish steps (1968)
wirklich verrückt, es reichen zwei takte und man weiß wieder sofort, dass sich hieran alles messen lassen muss. hawes komponiert ein schönes stück nach dem nächsten, reist damit 9 monate um die welt, hier in paris stoßen die wahleuropäer woode und taylor dazu, die schönen songs kippen immer wieder in den blues, es geht alles auch einfacher, die gute europäische tontechnik bildet plastisch ab, was zusammenhängt. kannte ich vorher nicht, aber ich bin nicht überrascht, dass hawes auch am ende der 60er kein bisschen erstarrt ist.
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kuhn, swallow, romano, childhood is forever (1969)
die gute europäische tontechnik? hier wurde offenbar vergessen, die mikrofone aus den etuis zu nehmen. trotzdem toll, was da eingefangen wird, ein klaviertrio aus der surrealistischen ecke, oder – was ich vermute – ordentlich bekifft. sie fangen meist ganz normal an, verschrauben sich dann aber in eine art beschwingten irrsinn, für den die cluster-ausbrüche nicht das einzige anzeichen sind. macht großen spaß.
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