Kenny Clarke with Francy Boland and the Bands

Kenny Clarke, Gigi Campi und Francy Boland (v.l.n.r.)

Campis Eltern eröffneten 1925 die erste Eisdiele Kölns. Von 1949 bis 1980 führte Pier Luigi „Gigi“ Campi das Café. Im Jahr zuvor hörte Campi erstmals eine Aufnahme von Charlie Parker und wurde zum Jazzfan. 1949 – auf dem Weg an eine Internationale Konferenz der Jungsozialisten – hörte er in Zürich ein prägendes Jazz-Konzert: Django Reinhardt und eine andere Band mit einem tollen Drummer traten gemeinsam auf.
1952 tourte James Moody durch Deutschland, Campi und seine Frau hörten die Band in München und sofort erkannte er den Drummer wieder: Es war Kenny Clarke. Nach dem Konzert ging er hinter die Bühne. Er erfuhr, wen er damals 1949 gehört hatte: Moody, Miles Davis, Tadd Dameron und Tommy Potter, die Band, die davor am ersten Jazzfestival in Paris aufgetreten (mit Barney Spieler am Bass) und aufgenommen worden war.
Der Erfolg seines Cafés erlaubte es Campi, Jazz-Konzerte zu organisieren und Platten zu produzieren. Er stellte für Chet Bakers Quartett eine Tournee zusammen und brachte auf seinem Label Mod Records Musik von Lars Gullin, Lee Konitz, Jutta Hipp und Hans Koller heraus. Mit einer Tour von Konitz, 1956, machte er grosse Verluste und beschloss, sich aus dem jazz zurückzuziehen.

Francy Boland war zu dieser Zeit in den USA, schrieb Arrangements für Benny Goodman und Count Basie (Mary Lou Williams hatte ihn empfohlen). Er war eigentlich Autodidakt, hatte am Konservatorium in Namur etwas Musik studiert und am königlichen Konservatorium in Lüttich etwas Klavier und Harmonielehre belegt. Er schwärmte damals für die Swing-Bands von Les Brown, Count Basie und Artie Shaw, 1942 schrieb er mit zarten dreizehn Jahren seine ersten Arrangements.
Auch für Kurt Edelhagen und Werner Müller hatte er arrangiert, Campi wurde so auf ihn aufmerksam. Das mutlinationale Ensemble, das Edelhagen 1957 gegründet hatte, war in der Zeit wohl die feinste moderne Big Band Europas. Etwas bombastisch, von Kenton geprägt, mit anspruchsvollen Arrangements kam die Musik daher. Die Band konnte auch tolle Solisten wie Dusko Goykovich, Jiggs Wigham, Karl Drewo, Peter Trunk, Jimmy Deuchar, Wilton Gaynair, Benny Bailey, Derek Humble, Peter Herbolzheimer, Ferdinand Povel, Shake Keane und andere vorweisen.

Edelhagen spielte regelmässig für den WDR, dessen Studios gegenüber Campis Büro lagen. Musiker der Band fanden sich regelmässig in seinem Café ein und Campi besuchte oft Proben im Studio. Ein Arrangement, das Boland über den alten Klassiker „Johnny One Note“ geschrieben hatte, tat es ihm besonders an.

In den späten 50ern präsentierte Campi in seinem Café Live-Konzerte und diskutierte mit Boland über die Möglichkeit, eine Band zu gründen. Er hatte den Plan gefasst, für den Karneval eine Band auftreten zu lassen, die dem, was er „traditionelle Karnevalsschundmusik“ nannte, entgegentrat. Zu diesem Zweck buchte er den Tenorsaxophonisten Don Byas und verpflichtete neben Boland auch Kenny Clarke sowie einige Edelhagen-Musiker: Chris Kellens, Eddie Busnello, Fats Sadi und Jean Warland. Mit dieser Besetzung entstanden die erwähnten ersten Aufnahmen einer Clarke-Boland Gruppe.

Quelle: Mike Hennesey: Erinnerungen an Klook – Das Leben von Kenny Clarke, 2004, S. 219ff.

Zu Campis Eisdiele:
http://www.campi-im-funkhaus.de/campi/index.html

Und ein Nachruf:
http://www.ksta.de/html/artikel/1262689709962.shtml

Danke – dem muss ich mal nachgehen! Die Diskographie ist ein Chaos, zudem existieren diverse Radio- und TV-Mitschnitte, manche auch auf Bootlegs erschienen. Ich will hier im Thread etwas Ordnung schaffen

Am 14. April 1961 spielten Clarke und Boland mit Goykovich, Humble, Drewo, Aderhold, Kretschmar sowie Pierre Michelot oder Warland und dem Gast J.J. Johnson in der Grugahalle in Essen. Neun Stücke wurden vom WDR mitgeschnitten und ausgestrahlt. Sie sind auch auf eine private LP gepresst worden, die leider nicht greifbar ist.

Am 18. und 19. Mai produzierte Gigi Campi in Köln die ersten eigentlichen Clarke-Boland-Aufnahmen. Das Album wurde von Blue Note veröffentlicht. Kenny Clarke – Francy Boland & Co.: The Golden 8. Wie der Name schon sagt ist auch hier ein Oktett am Werk, wieder sind Dusko Goykovich (t), Derek Humble (as) und Karl Drewo (ts) dabei, am Bass ist Jimmy Woode zu hören, der künftige reguläre Bassist der Big Band (Jean Warland stiess immer mal wieder dazu oder spielte an Woodes Stelle). Die beiden tiefen Holzbläser sind den Alt- und Baritonhörnern von Raymond Droz und Christian Kellens gewichen, die beide eine aktivere Rolle spielen und auch solistisch zu hören sind.

Zum Auftakt ist erneut „Campimania“ zu hören. Das Arrangement wirkt dichter, Clarke trommelt kontrolliert aber dicht. Drewo soliert als erster, mit starkem Sound und sicherer Phrasierung, streut zwischendurch einige kleine Licks ein, die stark an einen künftigen Musiker der CBBB erinnern: Johnny Griffin. Es folgt Francy Boland mit einem Piano-Solo, das von starkem rhythmischen Drang ist, mit hartem Anschlag ausgeführt, während die Bläser unter ihm riffen. Nach einem kurzen Bass-Solo von Woode folgt das erste Schlagzeug-Solo Clarkes und da ist diese seltsam rotierende Spielweise, die unglaublich swingt, sehr lose aber zugleich sehr kontrolliert wirkt – und dabei dieser tolle Sound… unverwechselbar Kenny Clarke!
Es folgt die Ballade „Gloria“, die ganz Drewo gehört. Wunderbar aufgenommen kommt sein Ton schön zur Geltung. Boland spielt ein eigenartiges Intro und gibt auch mit seinen sparsamen Akkorden die Richtung vor. Die anderen Bläser legen streckenweise einen Teppich, über dem Drewo die Töne zugleich setzt aber auch ineinander fliessen lässt, hart aber doch mit einem weichen Vibrato – grossartig!
Woode öffnet den Blues „High Notes“ am Bass. Für den zweiten Chorus gesellen sich die Bläser dazu, Clarke swingt leicht. Das Thema besteht fast nur aus einzelnen Tönen, aus denen Goykovich ein erstes Solo formt, mit einer Phrase zum Auftakt, die ebenfalls nur aus einem Ton besteht. Im zweiten Chorus beginnt Boland schliesslich auch mitzuspielen, gibt sofort wieder die Richtung vor – sein comping ist sehr speziell, auch wenn er wie sein Co-Leader ein Meister war darin, im Hintergrund zu bleiben: seine Präsenz ist stets zu spüren!
„Softly as in a Morning Sunrise“ gehört dann den beiden Euphoni… ja wie denn? -ümmer, -a, -i? Egal… über die 2-Beat-Begleitung von Boland und Woode spielt wohl Kellens das Thema (die Bridge übernehmen die anderen Bläser mit Dusko im Lead) und dann das erste Solo. Es folgt Droz mit dem kleineren, höheren Horn und einem etwas kompakteren, bissigeren Sound. Danach treten die beiden in einen angeregten aber entspannten Dialog, bevor die Band mit einem altmodischen shout chorus (mit Piano in der Bridge) das Stück ohne Wiederaufnahme des Themas beendet.
Das Titelstück „The Golden Eight“ ist eine zickige Nummer, stark rhythmisiert und von den Bläsern (und dem Piano und den Drums) in unsterschiedlichen Konstellationen gespielt. Humble bläst das erste Solo, leicht, agil, mit leicht verhangenem Ton irgendwo zwischen Desmond und Konitz, aber mit viel Parker. Es folgt Dusko (lyrisch) und Drewo mit einem sehr tollen Solo, das geschickt Spannung aufbaut, von den … ach, Posaunen halt, unterstützt. Dann spielt Clarke ein Solo, das von kurzen Fragmenten des Themas umrandet wird.
„Strange Meeting“ öffnet mit Clarke an den Beser – er war darin einer der ganz grossen Meister! Das Thema besteht wieder nur aus hingestotterten Tönen, die aber geschickt gesetzt sind. Dusko ist der Solist und spielt ein tolles, nervös changierendes Solo, hinter dem Boland und Clarke Akzente setzen. Boland und Clarke sind denn auch die weiteren Solisten, bevor das Gestotter (mit fliessender Bridge übrigens) wiederholt wird.
Mit „You’d Be So Nice to Come Home To“ folgt ein weiterer Standard, den Boland am Piano präsentiert. Der Swing ist leicht und mitreissend, die Bläser streuen kurze Fragmente ein und riffen auch hinter dem Piano-Solo. Drewo trifft einmal mehr den richtigen Ton, dann endet das Stück mit viel Woode.
„Dorian 0437“ war Clarkes Telefon-Nummer in Paris. Die Euphonii und Drewo präsentieren das Thema, dann soliert Droz, sehr agil, mit weicherem Ton als in „Softly“. Zwischen den einzelnen Chorussen sind kurze Intermezzi mit Latin-Rhythmen zu hören, so auch vor Duskos schönem Solo. Drewo folgt, der Einstieg ins Solo grossartig und auch danach wieder toll, wie er mit Wiederholungen, kleinen Riffs und deren Verschiebung Spannung aufbaut… mit einem Schrei geht er aus dem Latin-Vamp in die zweite Hälfte des Solos, in dem er den Spannungsbogen langsam wieder abbaut und dann an Humble übergibt.
Kellens präsentiert das Thema von „Poor Butterfly“ und hier kommt die dunkle Sonorität des Euphoniums noch schöner rüber als in den Stücken davor. Das langsame Tempo lässt ihn richtig singen, die langen Töne mit einem wunderbaren Vibrato enden. Wenn man sich das anhört, wundert man sich, warum dieses Instrument im Jazz so selten zu hören ist! Humble folgt mit einem wunerschönen Altsolo, dann hören wir nochmal Boland mit einem tollen Solo. Er arbeitet mit Farben, alles scheint bei ihm ganz einfach zu sein, aber wenn man genauer hinhört, dann wird schnell klar, wie reich seine Musik ist – das gilt für seine Arrangements genauso wie für sein Klavierspiel. Und da ist immer der rhythmische Drang, der auch hier im langsamen Tempo zu spüren ist. Kellens schliesst am Ende mit dem Thema ab.
Zum Ende hören wir Jimmy Woode in „Basse Cuite“. Weichgekocht wirkt sein Bass allerdings gar nicht (und gar auch nicht), sondern leicht, agil, zugleich erdig und tief. Mit Boland und Clarke formte er in den nächsten zehn Jahren eine stets spannende, swingende Rhythmusgruppe. Goykovich spielt das erste Solo, nach einem kurzen Interlude folgt Humble als zweiter Solist. Hier wird nochmal klar, wie dicht (und dennoch leicht) Bolands Arrangements sind, wie durchdacht. Die Band atmet gemeinsam, trotz toller Soli ist das stets auch Musik der ganzen Band.

Das italienische Label Rearward (es gehört zu den Edizione Ishtar) ist seit etwa zehn Jahren um Reissues der Clarke-Boland Big Band bemüht und hat letztes Jahr drei CDs (und auch LPs) herausgegeben, mit der die „Gigi Campi’s Archive Series“ gestartet wurden. Neben den tollen 1969er Live-Aufnahmen aus dem Ronnie Scott’s (ehemals zwei LPs bei MPS) und dem Album für die Queen war darunter auch eine kleine Sensation: The Golden Eight – Encore!. Auf dem Album ist dieselbe Band zu hören wie auf der Blue Note LP, aufgenommen wurden die elf Stücke ein paar Tage später, am 23. und 24. Mai, wie die meisten Clarke-Boland Sessions von Wolfgang Hirschmann in Köln.
Kellens eröffnet „You Dig It“ mit einem unbegleiteten Intro, das mit einem shake den Ton vorgibt: bluesig, erdig, direkt – ein typisches Boland-Original. Dusko bläst das erste Solo, baut ein schönes Blues-Solo auf mit einfachen Motiven und rhythmisch tollem Spiel. Es folgt Humble, flüssiger, mit cremigem Ton, dann der ruppigere Drewo, an dessen Spiel ich mich stets ein wenig gewöhnen muss, wenn ich zuvor anderes gehört habe – ein Effekt wie mit J.R. Monterose oder dem späteren CBBB-Mitglied Ronnie Scott… Kanten galore – grossartig! Die anderen Bläser spucken hintern den Solisten kurze Riffs aus, dann trommelt Clark, bevor das Thema wiederholt wird.
„Alone Together“ gehört Droz, der am unteren Ende des Althorns spielt, während Kellens im Satz unter ihm sein Bariton fast wie eine Tuba klingen lässt – die Handschrift von Boland ist wieder deutlich zu hören, und er folgt nach Droz auch als zweiter Solist, mit Läufen, die immer wieder innehalten, fast als setze er neu an, aber das Solo ist dennoch flüssig und aus einem Guss, und wieder ist da das pointiert rhythmisch Spiel. Es folgt Drewo, lyrischer aber mit demselben kantigen Ton, leider nur für wenige Takte, bevor Clarke und das Ensemble übernehmen. Dann folgt kurz Humble und wieder Clarke mit dem Ensemble (zweimal).
„But Beautiful“ ist Drewo auf den Leib geschneidert, er spielt das Thema mit grossem Einfühlungsvermögen und soliert, als hätte er alle Zeit der Welt. Dann folgt Goykovich mit harmon mute – auch hier erinnert er wieder stark an Miles, nicht bloss im Sound sondern in der Reduktion seines Spiels. Drewo folgt mit einem zweiten Solo und dem abschliessenden Thema.
Im nächsten Stück wächst die Band zum Nonett: Fats Sadi, der belgische Perkussionist (und Vibraphonist) stösst dazu. Das sollte er in den kommenden Jahren immer wieder tun, für grosse wie für kleine Besetzungen um Clarke/Boland. Der Latin Beat passt perfekt zu „Invitation“, das Boland am Piano präsentiert, bevor Dusko – wieder mit Dämpfer – das erste Solo spielt. Es folgt Humble mit einem kurzen Solo, sein Ton satt und cremig, näher bei Benny Carter als bei Charlie Parker, dann endet das Stück leider auch schon.
Woode spielt in „Autumn Leaves“ das Thema, begleitet von Klooks Besen und einzelnen Einwürfen der Band. Clarke swingt dezent aber heftig, Goykovich bläst (wieder mit Dämpfer – die Idee hatte er oder Boland bei der ersten Session anscheinend noch nicht) ein schönes Solo. Drewo folgt mit einem Solo, in dem er kantige Phrasen mit Griffin’schem Gestotter abwechselt. Dann spielt Woode ein kurzes Solo, aus dem er wieder zum Thema überleitet.
„Pape Satan Aleppe“ ist ein Boland-Original, das Kellens über einen leicht zickigen Beat von Clarke, Woode und Boland präsentiert. Er spielt auch das erste Solo, gefolgt von einem langen, rollenden Boland-Solo.
Boland steht in seinem „Free Wheel“ erneut im Zentrum, das Thema besteht aus einer raschen Piano-Phrase und Antworten der Bläser, die Bridge ist improvisiert. Die weiteren Solisten sind Humble – mit viel Begleitung der Band – und Goykovich – verspielt, leichtfüssig tänzelnd. Die Hörner shaken unter ihm, Woodes Bass rennt und spielt ein paar kurze Breaks am Ende, bevor die perlende Piano-Phrase wieder auftaucht.
„Dia Blue“ ist ein langsamere, leicht melancholisches Boland-Original mit tollen Klangfarben im Thema. Für die Soli – Goykovich und ein eindrücklicher, mitreissender Humble – wird das Tempo verdoppelt, die Rhythmusgruppe wieder durch Fats Sadi verstärkt. Am Ende kehrt nochmal das langsame Tempo zurück.
Bolands Original „Miriam Doll“ wird im Trio präsentiert. Sein Spiel kommt schön zur Geltung, da sind die eigenartigen Klangfarben, das rhythmisierte Spiel, dieses Stop-and-Go Feeling. Jimmy Woode spielt ein schönes Solo, bevor Boland das Stück beendet.
Auch „A Ball for Othello“ ist ein Boland-Original, wieder mit der vollen Band. Das Stück dauert nur etwa zweieinhalb Minuten, zählt aber zu den Highlights. Bolands Arrangement ist toll, zickig, vertrackt. Wir hören kurze Soli von Drewo und Goykovich (mit Dämpfer), Klook schaltet sich bei Dusko ein, ein Dialog entsteht, daraus dann ein Schlagzeugsolo, bevor das Thema wiederholt wird.
Zum Abschluss ist eine ganz kurze Version von „Campimania“ zu hören – in unter einer Minute wird nochmal dem grossen Organisator im Hintergrund Tribut gezollt.

Die ganze Session wirkt etwas weniger durchdacht als die erste auf dem Blue Note Album. Mehr Standards, kürzere Tracks, ähnlichere Solo-Abfolgen etc. Die Boland-Originals sind keineswegs seine besten, manches wirkt etwas unfertig, wie eine Skizze eher denn ein elaboriertes Arrangement. Dennoch ist es toll, mehr von dieser besonderen Band zu hören, deren Sound von Droz und Kellens‘ Hörnern geprägt wird.

Um die Multinationalität der Band nochmal zu betonen: schon in diesem Oktett sind sechs Nationen vertreten: die USA (Clarke, Woode), Belgien (Boland, Kellens), Jugoslawien (Goykovich), die Schweiz (Droz) und Österreich (Drewo).

Mike Hennessey zitiert in seinen Liner Notes aus seiner Klook-Biographie (die ich nur in Deutsch habe, daher zitiere ich aus den Liners, O-Ton):

Almost everything about the Clarke Boland Big Band was improbable. It was invented, nurtured, nourished, fussed over, financed, promoted and absolutely adored by a German-born Italian socialist whose qualifications for band management were that he was a trained architect and owner of a flourishing coffee bar in Cologne’s Hohestrasse. Its leaders were two musicians who competed with each other in the art of staying in the background and maintaining a low profile.

Its roster of members over the years embraced more than a dozen nationalities, half a dozen religions and a daunting assortment of egos, most of them on the large side. To bring the band together for rehearsal, record dates and concerts involved a formidable complexity of travel arrangements and much intricate juggling with the musicians‘ individual work schedule.

Despite all of this, plus the inevitable, multiple frustrations, financial Everests, outbreaks of pique, petulance and pig-headedness, and that well-known capacity of airline to deliver a bass player to Cologne and his bass to Caracas, the band not only survived for eleven years but developed into a unit of surpassing excellence, becoming an important – and genuinely significant – part of jazz history. It was by far the finest jazz orchestra ever assembled outside the United States.

And Pier Luigi ‚Gigi‘ Campi, the man who made it happen, is quite emphatic that the band simply could not have existed without Kenny Clarke. ‚We needed his magic touch,‘ he told me.

Und schon hab ich ein Durcheinander gemacht und etwas weggelassen… das erste Album aus dem Clarke/Boland-Dunstkreis, das unter dem Namen von Karl Drewo erschien, Clap Hands, Here Comes Charlie.

Der Mann mit dem sperrigen, grossartigen Sound am Tenor lebte von 1929 bis 1995 und spielte seit 1947 Saxophon. Sein grosses Vorbild war Lester Young. In den späten Vierzigern spielte er in Soldatenclubs der Alliierten, in den Fünfizgern unter anderem mit Fatty George in dessen moderner „Two Sounds Band“, in der auch Joe Zawinul und Oscar Klein sassen. Von 1958-70 spielte er in der Band von Kurt Edelhagen und daher rührte auch seine Bekanntschaft mit Gigi Campi – so gehörte Drewo zu den Mitgliedern der frühesten Formationen um Kenny Clarke und Francy Boland. In den 60ern spielte er zudem in den Big Bands von Paul Kuhn und Max Greger, ab 1973 dann in der von Erich Kleinschuster geleiteten ORF Big Band und ab 1981 auch mit Peter Herbolzheimer. Ab 1979 unterrichtete Drewo an der Musikhochschule in Graz, die viele grosse MusikerInnen an sich binden konnte (und kann).

Francy Boland hat für Drewo wieder auf die Posaunen-Idee zurückgegriffen, diesmal aber auf „normale“ Posaunen (Ramyond Droz und Otto Bredl) und eine Bass-Posaune (Chris Kellens). Die Posaunisten sind nicht solistisch zu hören, weitere Bläser sind nicht zugegen. Die Rhythmusgruppe besteht aus Boland, Jean Warland (b) und Joe Harris (d). Letztere war Klooks Nachfolger in der Dizzy Gillespie Big Band und hatte wie manche CBBB-Musiker auch mit der Quincy Jones Big Band gespielt. Aufgenommen wurde das Album am 18. Juni 1961 in Köln, ursprünglich veröffentlicht wurde es auf Metronome (MLP 15141), ein CD- und LP-Reissue gibt’s von Rearward (1999).

Drewo war 32 und schon ein Veteran. Sein Credo war ein einfaches: „I like jazz“. Es gebe nur guten und schlechten Jazz, weitere Unterscheidungen empfand er für überflüssig. Im Zentrum stehe der Swing, wenn ein Musiker nicht swinge, dann sei alles andere unwichtig. Und swingen, dass konnte er! Das Cover versinnbildlicht sehr schön die zupackende Spielweise und den Elan von Drewos Musik.

Boland hat sechs Arrangements geschrieben, die Drewo all den Raum geben, den man sich nach dem Hören der „Golden Eight“-Sessions erhoffte. Der Rahmen mit den Posaunen ist passend, verstärkt in den schnellen Nummern die Kanten und Ecken von Drewos Spiel, in den langsameren Nummern unterstützen sie ihn manchmal fast völlig unscheinbar, aber immer eine Richtung weisend, unterstützend.
Bolands „Young Bucks“ ist eine kleine Riff-Nummer, perfekt geeignet für Drewo, der sofort mit viel Engagement bei der Sache ist und ein sehr tolles Solo konstruiert, ohne gleich all sein Pulver zu verschiessen. Boland spielt dann ein sehr tolles, boppiges Piano-Solo, in dem er ähnlich wie Drewo mit rhythmischen Phrasen spielt. Es folgen drei Runden von exchanges von Drewo, Warland, Boland und Harris, bevor das Stück mit dem Thema endet.
Als zweites hören wir die meisterhaft arrangierte Ballade „I’m Getting Sentimental Over You“. Hier sind die Posaunen im Hintergrund, mehr spürbar als hörbar und Drewo spielt wieder mit dieser unendlichen Gelassenheit, aber dennoch mit grossem Engagement. Boland steuert nicht nur ein perlendes Intro bei sondern begleitet auch einmal mehr sehr toll und spielt ein schönes Piano-Solo. Im zweiten Solo Drewos mischen sich die Posaunen kurz ein – und man achte auf Bolands spannende Begleitung!
„Clap Hands, Here Comes Charlie“ ist ein altes Big Band-Schlachtross. Drewo spielt es als Hommage an Lester Young und Count Basie. Das Tempo ist sehr schnell, die Posaunen legen einen trockenen Boden, Drewo klingt etwas weniger knorrig als sonst, phrasiert flüssige Linien, die manchmal in der Tat an Young gemahnen, aber rasch ist er bei sich selber und die Kanten tauchen auch immer wieder auf, ebenso die rasend-stotternden, an Griffin gemahnenden Läufe. Boland folgt mit einem grossartigen Piano-Solo, stark rhythmisiert, Stop-and-Go, perlende Läufe, sich verhakende kleine Figuren, Repetitionen, eine starke linke Hand… und ein unglaublicher Drive! Dann hören wir exchanges von Harris und Drewo
Es folgt ein weiterer alter Klassiker, der „Limehouse Blues“. Ein paar Jahre zuvor hatten Cannonball Adderley das Stück mit John Coltrane für sein Album „The Cannonball Adderley Quintet in Chicago“ eingespielt (EmArcy, später als „Cannonball & Coltrane“ aufgelegt). Drewos Version ist etwas gelassener und langsamer, sein Ton kommt wunderbar zur Geltung, er streut ein paar tolle Shakes ein und tritt dann in einen Dialog mit den riffenden Posaunen. Boland folgt mit einem reduzierten Solo und einem weiteren Dialog mit den Posaunen, bevor Harris und Drewo im Wechsel zu hören sind. An dieser Stelle ein gutes Wort für Warland und Harris. Der Bassist überzeugt mit starkem Swing, gutem Timing und guten Walking Bass-Linien (und manchmal mit tollen kleinen Ideen). Harris gefällt mir – gerade mit Dizzys Band in den späten 40ern – nicht besonders gut, aber hier spielt er geschmackvoll und treibend und macht seine Sache sehr gut.
Der Blues „Foot Pattin'“ stammt von Bassist George Duvivier, Boland hat das Thema für Drewo und die Posaunen als Satz arrangiert. Das mittelschnell bouncende Tempo ist für Drewo ideal geeignet, wunderbar, wie er die Phrasierung umdreht und entspannt Idee an Idee reiht, um zwischendurch in kleine Läufe auszubrechen oder einen kurzen Shake einzustreuen. Boland folgt erneut mit einem tollen, sehr boppigen Solo, Harris begleitet mit Rim-Shots. Dann folgen ein paar Runden exchanges, bevor das Thema wieder mit den Posaunen repetiert wird.
Den Abschluss macht das zweite Boland-Original, „J.L.K.“, das ursprünglich für die beiden Tenoristen der Edelhagen Band – Jean-Louis Chautemps und Karl Drewo – geschrieben wurde. Die Posaunen präsentieren das Thema über Bolands Klavier-Ostinate und greifen während der Soli massiv ins Geschehen ein, geben Anstösse. Einmal mehr setzt auch Boland einen Glanzpunkt, vielleicht DEN Glanzpunkt des Stückes – ironischerweise, da dies doch das Feature für Drewo war… dieser setzt dann zum Dialog mit Boland an – ohne Drums dazwischen, was ich mindestens so toll finde, wie die üblicheren fours! Diese folgen dann auch noch, zwischen Drewo und Harris. Dann beendet Drewo mit den Posaunen das Stück und das Album.

Die Scheibe wäre – in einer gerechten Welt zumal (wie war das mit „Candide“ wiederlesen?) – ein Klassiker des europäischen Jazz, oder zumindest ein legendärer Untergrund-Klassiker! Dank Rearward ist die Scheibe seit über zehn Jahren problemlos greifbar, aber bekannter scheint sie dadurch leider nicht geworden zu sein.

Francy Boland und Karl Drewo

Im Februar 1963 fand anscheinend in Berlin ein erster Mitschnitt für den Rundfunk statt. Die Titel sind nicht bekannt und die Aufnahmen leider erst recht nicht. In Köln wurde irgendwann 1963 ebenfalls ein Stück für den Rundfunk mitgeschnitten: „Jay Jay“, das im Intro der WDR-Produktion „Der 7. Sinn“ verwendet wurde (Erstausstrahlung am 11. März 1966).

Kenny Clarke war wie immer sehr beschäftigt, wirkte unter anderem an Aufnahmen von Alice Babs mit Duke Ellington, Dexter Gordons Klassiker „Our Man in Paris“, Flavio Ambrosetti, Lou Bennett und Steve Anderson mit, trat regelmässig (wie schon in den Jahren davor) mit dem Trio von Bud Powell auf (Pierre Michelot spielte Bass, die drei begleiteten auch Gordon auf dem genannten Album), nahm backing tracks für die Double Six de Paris auf (r.i.p. Christiane Legrand und Mimi Perrin – letztere ist jetzt schon fast ein Jahr tot, wie die Zeit vergeht…). Zudem trat er mit seinem eigenen Trio auf, mit Lou Bennett (org) und René Thomas (g).

Bevor Campi die Big Band wieder zusammegetrommelte, wurden in der Clarke/Boland-Küche einige tolle Small Group Alben angerichtet. Das erste davon gehörte Johnny Griffin, einem künftigen treuen Big Band-Mitglied. Gemäss Siegfried E. Loch, der mit Campi das Album produziert hat (supervision by Loch, produced by Campi steht in den Credits) entstand die Idee spontan, anlässlich eines Auftritts von Griffin in Köln. Danach sass man in Campis Kaffee und redete – und der Beschluss wurde gefasst, Griffin mit der CBBB-Rhythmusgruppe aufzunehmen: Francy Boland (p), Jimmy Woode (b) und Kenny Clarke (d). Die Session fand am 13. Februar 1964 im EMI Studio in Köln statt.

Night Lady (Philips 48071L bzw. 840 447) ist das resultierende Album, und es passt perfekt in die Reihe toller Alben, die Griffin in den Jahren davor für Riverside, Blue Note und Argo aufgenommen hatte. Er ist in grosser Form und die Rhythmusgruppe ist quite something. Clarke legt schon im Opener „Scrabble“ mit einem tollen Beat vor, Woode spielt tolle Basslinien, Griffin hebt ab, während Boland ihn mit verschrobenen Akkorden speist. Als nächtes folgt eine Version von „Summertime“, in der Woode ein einprägsames Bass-Lick spielt. Die Stimmung erinnert ein wenig an jene der 1957er Trio-Aufnahme von Charles Mingus (mit Hampton Hawes und Dannie Richmond). Griffin klingt verhalten, nimmt sich zurück, um im Solo dann ganz langsam allmählich etwas aufzudrehen. Gegen Ende seines Statements brennt er lichterloh, wirft double time Linien ein, growlt, verfremdet den Ton, wie nur er es konnte. Boland folgt mit einem tollen Solo, das gar nicht erst versucht, das energetische Level zu halten, aber schnell einen ganz eigenen Drang entwickelt, eine Art Vorwärtstaumeln, in dem auch immer mal wieder Purzelbäume in beide Richtungen geschlagen werden.
Bolands „Old Stuff“ öffnet mit einem Vamp, der auch Horace Silver gut gepasst hätte. Griffin spielt dann das Thema über einen walkenden 4/4 mit viel Kommentar von Clarke. In der Bridge kehrt der Vamp zurück, klingt aber diesmal anders. Über den Vamp steigt Griffin in sein Solo ein, spricht, erzählt, singt auf seinem Saxophon. Boland steuert ein weiteres tolles Solo, bei dann folgt Woode. Immer wieder schiebt sich der Vamp ein, Griffin gesellt sich mal leise, mal lauter dazu, auch in Kenny Clarkes Schlagzeugsolo.
Den Auftakt zur zweiten Seite macht gleich wieder ein Boland-Original, sein zweites und letztes – das Stück „Night Lady“, das zum Titelstück des Albums erwählt wurde und bereits auf der Big Band-Scheibe „Now Hear Our Meanin'“ zu hören war. Boland setzt den 6/8-Groove mit einem gekonnten, kurzen Intro, dann spielt Griffin das bluesige Thema über einen pedal point von Woode und setzt sofort zu einem tollen Solo an. Die Rhythmusgruppe hält die Begleitung flexibel, besonders Woode lässt immer wieder aufhorchen, fällt in walking bass Linien, wirft kleine Motive und verdoppelte Noten ein, während Clarke dafür sorgt, dass ein dichter Schlagzeug-Teppich gewoben wird und Boland zurückhaltend aber prägend compt. Boland ist dann selbst wieder funky ohne funky zu sein… ganz schwer, das zu beschreiben. Er rifft, rollt, hat Tonnen von Soul im Spiel, aber driftet nie in Klischees ab, lässt sich dazu hinreissen, Blues-Phrasen rauszuhämmern, wie sie bei anderen Pianisten – Junior Mance, Bobby Timmons, Ray Bryant etwa – durchaus passen würden, aber bei ihm eben nicht. Jedenfalls ein grossartiger Pianist, der einen ganz eigenen Stil pflegte. Woode folgt, steigt ruhig ein und baut ein schönes Solo auf. Danach kehrt Griffin zurück, honkt und rifft – natürlich geht sowas nie ganz klischeefrei, aber in diesem tollen Rahmen und mit Griffins grossem Sound macht das eben trotzdem (oder erst recht) grosssen Spass!
Es folgt die Ballade „Little Man You’ve Had a Busy Day“, ein tolles altes Stück, das schon die Boswell Sisters oder Perry Como aufgenommen hatten. Auch Art Tatum, Chet Baker, Sarah Vaughan und Dakota Staton nahmen ihre Versionen auf. Griffin gräbt tief in die Ballade hinein, spielt ein wunderbares Solo, das trotz grosser Intensität und mancher rasanter Phrasen nie aus dem Rahmen der Ballade ausbricht. Auch Boland und Woode sind zu hören, bevor Griffin das Stück mit dem Thema und einer kurzen Solo-Kadenz beendet (mit Referenz an Hoffmann von Fallersleben… er zitiert auch schon in „Summertime“ etwas, aber ich komm nicht drauf).
Den Abschluss macht eine lebendige, schnelle Version von „All the Things You Are“. Mit seinem tollen Sound schafft Griffin es, schon das langweilige Thema spannend zu gestalten und hebt dann sogleich zu einem grossartigen Solo ab, in dem er aus kurzen Phrasen eine Art Dialog mit sich selbst spinnt – stets mit dichtem Kommentar von Kenny Clarke. Die zweite Hälfte des Solos wird dann flüssiger, und flüssig übernimmt auch Boland, die Läufe perlen, werden aber immer rechtzeitig gestoppt, kippen nie ins Belanglos-Leere – wir hören hier einen Musiker, der zugleich Architekt ist, schnörkellos, denkend, aber auch direkt, unmittelbar. Woode folgt mit einem kurzen, tollen Solo der Session, voller rhythmischer und melodischer Ideen. Dann spielen Griffin und Clarke ein paar Exchanges, bevor das Thema repetiert wird (nochmal mit ein paar Takten Clarke dazwischen) und mit einem kleinen Tag endet das Stück und die Scheibe.

Werner Burkhardt berichtet in seinen originalen Liner Notes über seine erste Erfahrung mit Griffin:

On hearing him the first time – in Zurich in the autumn of 1963 – he seemed to me as one possessed, a black gnome hopping about in a state of ecstasy, and a lover of the extreme. The range of pitch he coaxes from his instrument, the deepest „bronk“ to the highest „beep“, is in itself a proof of this last. Johnny Griffin, as his records confirm, must rank as one of the greatest tenor saxophonists of modern times. His playing in Zurich was astonishing in its aggressive nervousness, obsessive force and apparent simplicity of phrasing.