BB’s cineastisches Hinterzimmer

Sicher, auch unter den Schauspielern sind ja Maximilian Schell, Maria Schell, Lieslotte Pulver oder Yul Brynner (auch den kann man strenggenommen als Schweizer betrachten) nicht ganz unbekannt, aber die waren ja auch eher nicht in der Schweiz selber aktiv.

Deichking, 2006, Michael Söth

Und schon wieder Trash: „Deichking“ sollte wohl so etwas wie eine Komödie mit typisch norddeutschem, trockenem Humor werden, eventuell auf den Spuren von Detlev Buck, wir werden es wohl nie erfahren.
Die Geschichte ist schnell erzählt: Der Bauernsohn Fiete (John Barron) erfährt durch seine Verlobte erstmals von der Existenz von Elvis Presley, als sie ihn verlässt beschliesst er selber zu einer Elvis-Inkarnation zu werden, zu erst trägt er sein Liedgut den Schafen am Deich vor, dann in der örtlichen Kirche, wo natürlich sofort klar ist das der Teufel in Gestalt von Elvis in ihn gefahren ist, weswegen gleich vor Ort ein Exorzismus gegen ihn stattfindet. (Den Pfarrer spielt niemand geringeres als Bela B.) Als auch diese Versuche nicht glücken fasst Fiete den Plan nach Memphis, Tennessee auszuwandern um dort endgültig in die Fusstapfen seines Idols zu treten.
So hanebüchen wie die „Story“ des Films ist auch seine Umsetzung, weder ist er witzig, noch sind die schauspielerischen Leistungen in irgendeiner Form bemerkenswert, und die zahlreichen Gastauftritte von Bela B. über Lotto King Karl und Fettes Brot bis Uschi Nerke wirken alle komplett deplatziert und albern.
Ähnlich wie bei „Helden sterben anders“ könnte man auch hier auf die Idee kommen das es sich umso etwas wie ein filmisches Äquivalent zur naiven Kunst handelt – sowie Sasek versuchte seine patriotischen und religiösen Gefühle in einem grottenschlechten Amateur-Monumentalepos auszudrücken, so hatte Söth wohl das Bedürfnis seine Verehrung für den King in dieser stümperhaften Pseudo-Komödie mitzuteilen. Es schien im völlig gleichgültig ob dieser Film bei der Kritik ankommt, ob er ein Publikumserfolg wird, oder ob er so etwas wie ein Kultobjekt im Sinne von Ed Wood wird (noch nicht einmal das kann ich mir vorstellen.) Sicher ist sein Vorgehen sympatischer als der anscheindend ja sektiererische Ansatz von Ivo Sasek, doch staunen lässt einen dieses offensiv vorgetragene Bedürfnis sich fernab jeden Talents filmisch zu betätigen schon.
Oder ist „Deichking“ in seinem offen zur Schau getragenen Dilettantantismus vielleicht sogar als Hommage an die originalen Elvis-Filme zu verstehen, die ja auch nicht immer cineastischen Höchstansprüchen genügten?
Wie auch immer, wer etwas über das Leben auf dem Land in Schleswig-Holstein erfahren möchte ist in jedem Fall mit Cho Sung-hyungs „Full Metal Village“ besser beraten.

Ken Park, 2002, Larry Clark

„Ken Park“ beginnt mit einem Selbstmord: Ein Skater namens Ken Park schiesst sich in den Kopf, was Clark als Anlass dient die Lebenswelt von Jugendlichen in einer kalifornischen Kleinstadt zu erforschen.
Da ist zum einen Tate der noch bei seinen Grosseltern lebt und von diesen bis zum geht nicht mehr verhätschelt wird, was sich bei ihm im Ausleben sexueller Phantasien äussert (unter anderem bringt er sich durch Würgen und gleichzeitiges Ansehen von Damentennis selbst in Erregung), Claude, der von seinem Alkoholikervater misshandelt wird da er nicht dessen Vorstellungen von einem Mann entspricht, Shawn, der mit der Mutter seiner Freundin schläft und zu guter Letzt Peaches, die von ihrem (verwitweten) Vater streng religiös erzogen wird.
Wie man an dieser kurzen Beschreibung unschwer erkennen kann geht es Clark auch hier um seine grossen Themen Sex, Teenagerdasein, Langeweile.
Anders als bei „Kids“ oder „Bully“ tritt hier das Verhältnis von Kindern/Eltern in den Vordergrund, teils auf sehr plakative und aufdringliche Weise, beispielsweise in einer Szene in der Peaches – nachdem sie beim Liebesspiel mit einem Jungen aus dem Bibelunterricht erwischt wurde – ihren Vater in einer bizarren Zeremonie heiratet. Die Strangulationsszene von Tate wurde schon erwähnt, auch den Auseinandersetzungen die Claude mit seinem Vater führt mangelt es nicht an einer gewissen Penetranz und Klischeehaftigkeit.

Daneben kann der Film aber durchaus mit einigen sehr sanften Szenen aufwarten, so die in der Shawn mit der Familie seiner Freundin auf der Terrasse beim Abendessen sitzt. Klar hat das ganze auch etwas sehr zynisches, da wir als Zuschauer natürlich wissen da es sich nicht um die Harmonie handelt wie sie hier dargestellt wird. Eine anderer – ganz unironisch – idyllischer Augenblick ist die kontrovers diskutierte Sexszene gegen Schluss, in der Peaches von Tate und Shawn gleichzeitig befriedigt wird, was im Rahmen des Filmes als so etwas wie eine Erlösung wirkt, als eine Art Fluchtpunkt durch Sex. Man vergleiche dies einmal mit dem hektischen Gerammel in „Bully“, wo der Geschlechtsakt fast wie eine Vorbereitung auf spätere Gewalttaten wirkte, hier nun quasi der genaue Gegensatz dazu.

So schön Clark einige Szenen gelungen sind, so reisserisch wirkt anderes, und man muss sich wie immer bei ihm fragen ob er die angedeutete Sozialkritik wirklich ernst meint, oder ob sie nur ein Vorwand für ihn ist möglichst viele explizite Szenarien aneinander zu reihen, als Mittel um Aufmerksamkeit zu erregen und. Dafür spricht das vieles einer gewissen unfreiwilligen Komik nicht entbehrt, dagegen die bereits erwähnte Harmonie die der Film teilweise verströmt, man glaubt das Clark sich das erste mal wirklich für seine Figuren interessiert…

Was meint ihr?

Theatre of Blood (Theater des Grauens), 1973, Douglas Hickox

„Ihr spritzt Gift auf das schöpferische Werk wahrer Künstler weil euch selber alle Talente versagt geblieben sind!“

Vincent Price (1911-1993) war neben Christopher Lee, Peter Cushing, Boris Karloff, Lon Channey und Bela Lugosi einer der Ikonen des klassischen Gruselfilms. Obwohl seine über sieben Jahrzehnte andauernde Karriere auch Film Noirs, Western und Historienfilme beinhaltete und er sich auch als Kochbuchautor und Kunstsachverständiger hervortat stellt man sich ihn vor dem geistigen Auge hauptsächlich entweder als dekadenten englischen Aristokraten in gotischen Gemäuern oder als irrer Wissenschaftler bei seinen wahnsinnigen Experimenten vor. Sein persönlicher Favorit war allerdings keiner der bekannten Klassiker wie „Die Fliege“ oder „Der Rabe – Duell der Zauberer“ sondern „Theatre of Blood“, ein Werk des weitgehend in Vergessenheit geratenen Briten Douglas Hickox.

Price spielt Edward Lionheart, einen Bühnendarsteller dessen Lebensmaxime man in einem kurzen Schlagwort zusammenfassen kann: „Ein Leben für Shakespeare“.
Lionheart hat sich so sehr dem Werk des Stratforder Dramatikers verschrieben das er sämtliche moderneren Stücke ablehnte. Leider ist sein Spiel derart hölzern und affektiert das er seine Kritiker regelmässig zu Spott und Hohn herausfordert. Als der renommierte Kritikerkreis statt an ihn an einen hoffnungsvollen Jungschauspieler geht sucht er eben jene Kritiker auf um auf seine gewohnt theatralische Art den bekannten Hamlet-Monolog darzubieten und danach vom Balkon in die Themse zu springen.
Kurz darauf finden einige seltsame Morde statt: Der Bauunternehmer und Kritiker George Maxwell wird – von mehreren Messerstichen durchbohrt – gefunden, sein Kollege Hector Snipe wird von einem Pferd zu Tode geschleift, und ein anderer Theater-Rezensent namens Horace Sproud wird eines morgens mit abgetrennten Kopf im Hotelzimmer gefunden.
Der Vorsitzende der Kritikervereinigung, Mr. Peregrine Devlin, beschliesst der Sache auf den Grund zu gehen und entdeckt das alle 3 Morde nach dem Vorbild von Shakespeare-Tragödien verübt wurden: Maxwell starb durch genauso viele Dolchstösse wie Julius Caesar, Snipes Todesart entspricht der von Hektor in „Troilus und Cressida“, Sprouds hingegen verstarb auf ähnliche Art wie König Cymbeline.
Das nächste Todesopfer, Trevor Dickman, bekommt wie Antonio im Kaufmann von Venedig ein Pfund Fleisch herausgeschnitten – infamer weise wurde Shakespeare anscheinend zu diesem Zwecke umgeschrieben. Doch wer wäre so infam sich mit Shakespeare zu messen – doch wohl nur der der sich für den grössten Shakespeare-Mimen überhaupt hält, nämlich Edward Lionheart!
Also, so folgert Devlin, kann er nicht Tod sein sondern hat seinen Suizid nur vorgetäuscht! Tatsächlich plant Lionheart Devlin in einer öffentlichen Fechtschule nach dem Vorbild von „Romeo und Julia“ zu ermorden, dies misslingt zwar, aber Lionheart offenbart ihm seinen teuflischen Plan sich bei den kritikern die ihm nicht wohlgesonnen waren zu rächen, alles nach Vorlage der Stücke von Shakespeare! Unterstützung enthält er dabei von seiner ihm absolut treu ergebenen Tochter Edwina (Diana Rigg).
Lionheart gelingen noch einige Morde – so wird der Kritiker Oliver Harding wie in „Richard III.“ in einem Weinfass ertränkt, Miss Moon wird unter einer Trockenhaube geröstet während Lionheart dazu den Text rezitiert der bei der Verbrennung der Jungfrau von Orléans in „Heinrich VI“ gesprochen wurde.
Der übergewichtige Meredith Merridew hingegen wird dazu gezwungen seine beiden heissgeliebten Schosshunde zu essen, sowie die Gotenkönigin in „Titus Andronicus“ ihre eigenen Kinder essen musste.
Solomon Psaltery wird dazu gebracht wie Othello seine Frau aus Eifersucht umzubringen, eine lebenslängliche Haftstrafe scheint für Lionheart einem Todesurteil gleichzukommen.
Schliesslich plant er auch Devlin den Garaus zu machen, in dem er ihn nach dem Vorbild von „König Lear“ blendet, um sich selber den Kritikerpreis zu verleihen. Dabei steckt er jedoch das morsche Theatergebäude auf welchem die Preisverleihung stattfindet in Brabd und stirbt in den Flammen.

Wie gesagt war „Theatre of Blood“ der erklärte Lieblingsfilm von Vincent Price. Warum ausgerechnet dieses Werk kann man sich fragen, ist es wirklich herausragender als anderes in dem Price mitgespielt hat? Es ist ja nicht zu übersehen das der Streifen erhebliche handwerkliche Schwächen hat, so ist die musikalische Untermalung ja nun eher zeitbedingt-beschwingt, jedoch für heutige Ohren eher nervig, generell ist der Film von Hickox eher holperig inszeniert, natürlich sind die schauspielerischen Leistungen hervorragend, und man merkt wie genial Shakespeares Texte eigentlich waren wenn sie in einen anderen Kontext gesetzt werden. Aber ansonsten ein Film den man für seine schwarzhumorige Grundidee schätzen kann, aber sicher nicht als zeitloses Meisterwerk.
Bemerkenswert ist in diesem Zusammenhang eventuell das Price zur selben Zeit zweimal die Rolle des Dr. Phibes spielte, ebenfalls eine sehr rachsüchtige Figur, diesmal geht es nicht um schlechte Theaterkritiken, sondern viel mehr um einen ärztlichen Kunstfehler. Dies nur am Rande, denn es hat denke ich nichts mit Price´ Wertschätzung für „Theatre of Blood“ zu tun.
Vielmehr dürfte ihn denke ich das Thema gereizt haben: Jeder Künstler, gleich ob Schauspieler, Musiker, Filmemacher, Schriftsteller oder Maler dürfte sich mindestens einmal im Leben über negative Kritiken geärgert haben und daraufhin den Wunsch verspürt haben sich an eben seinen Kritikern zu rächen. Gerade Vincent Price, bei dem vieles aus seiner Karriere eher unter B-Movie laufen dürfte wird sicher oft durch Rezensionen gekränkt worden sein, und das als jemand der eigentlich von Haus aus ein Charakterdarsteller der grossen Bühnen ist. So ein Film dürfte also ein Geschenk sein, denn er befriedigt den Wunsch diverse Kränkungen auszutreiben, bietet ausserdem tiefschwarzen englischen Humor, trotz allem kann man es noch an Hommage an Shakespeare interpretieren, so das über die diversen Schwächen gerne hinweggesehen werden kann.

Die finale Frage ist nur: Begebe ich mich ebenfalls in Gefahr wenn ich diesen Text verfasse, der ja auch so etwas wie eine Rezension/Kritik ist? Wird sich Vincent Price eventuell aus seinem Grabe erheben um mich seine Rache spüren zu lassen?

Sexy Beast, 2000, Jonathan Glazer

Ben Kingsley gehört zur Standardbesetzung wenn es darum geht historische Persönlichkeiten wie Ghandi, Lenin oder Moses darzustellen, seine eigene ethnische Herkunft (teils indisch-kenianischer, teils russisch-jüdischer Abstammung) sowie seine Herkunft von der Royal Shakespeare Company machten ihn prädestiniert dafür Persönlichkeiten aus verschiedensten Geschichtsepochen Leben einzuhauchen.
Was ihn nicht davon abhielt in eher fragwürdigen Streifen wie „Good Vibrations“ oder „Blood Rayne“ mitzuwirken.
Im Jahre 2000 wirkte er nun in „Sexy Beast“ mit, einem Gangsterfilm des Werbefilmers Jonathan Glazer.
„Sexy Beast“ handelt vom Gangster Gal (Harry Winstone) welcher sich unter der Sonne Spaniens vom anstrengenden Gangsterleben zur Ruhe gesetzt hat, mit Pool, Model-Ehefrau und allem. Da taucht unverhofft sein alter Kollege Don Logan (Kingsley) auf, und macht ihm ein Angebot welches er nicht ablehnen kann: Er soll bei einem Einbruch in der alten Heimat London helfen, da seine Fertigkeiten als Safe-Knacker benötigt werden. Als Gal sich weigert beginnt ein Psycho-Duell zwischen ihm und Don, welches sich über den halben Film zieht, und in dessen Verlauf Don stirbt.
Trotzdem macht Gal bei dem Bruch mit, welcher erfolgreich ist und kehrt schliesslich zurück nach Spanien, ohnen das jemand in London Logans Tod bemerkte.
Was sich hier relativ schlicht liest ist ein einziger Parcourt-Ritt, zum einen durch Bilder welche sowohl die brütende Sonne Spaniens als auch das verregnete London für den Zuschauer spürbar einfangen, als auch durch die schauspielerische Klasse von Winstone und Kingsley, es ist einfach eine Freude Kingsley dabei zuzusehen wie er gegen sein Image anspielt saubere und moralische integre Charaktere zu spielen, sondern im Gegenteil einen Komplett-Proll zu geben. Auch steigert sich der Film von mal zu mal ins absurde, so denkt man am Anfang Logan wäre so etwas wie ein Vorgesetzter von Gal, bis man in London merkt das er noch mehrere Leute über sich hat. „Sexy Beast“ ist alles andere als ein klassischer Gangster-Film sondern eher ein Versuch ein Genre auseinander zunehmen, das Ergebnis mag man je nach Sichtweise konfus oder faszinierend finden.

Somersault, 2004, Cate Shortland

Gesetzt den Fall dieses wunderbare australische Drama ist noch nicht allgemein bekannt, hier einmal grob die Handlung:
Die sechzehnjährige Heidi zieht nach einem Streit mit ihrer allein erziehenden Mutter von Zuhause aus und wirft sich in einem Kaff in New South Wales wahllos Männern an den Hals. Nachdem sie sich mit Joe angefreundet hat, der es etwas ernster mit ihr zu meinen scheint, fängt sie eine Tätigkeit in der örtlichen Tankstelle an. Sie findet keinen Anschluss an die Dorfbewohner und wird auch noch vom Stiefvater ihrer neuen Freundin/Arbeitskollegin bezichtigt ihn verführen zu wollen.
Zu Joe fühlt sie sich körperlich hingezogen, er sich zu ihr seelisch. Nachdem sie ihren „leichten“ Lebensstil wieder aufnimmt, wird sie deswegen von Joe harsch kritisiert. Ihre Zimmerwirtin offenbart ihr ihr Geheimnis, nämlich dass ihr Sohn wegen Mordes im Gefängnis sitzt. Die Tatsache dass sie ihm trotzdem verzeiht, macht Heidi Hoffnung dass auch sie sich mit ihrer Mutter aussöhnen könnte. So geschieht es dann auch, und auch mit Joe bleibt Heidi weiterhin in Freundschaft verbunden.

Was mich an dieser Geschichte so fasziniert? Nun, in erster Linie wohl die Umsetzung: Cate Shortland gelingt das Kunststück ihr Werk einerseits spröde, andererseits voll menschlicher Wärme zu zeichnen. Sicher gibt es bessere und origineller erzähltere Coming-Of-Age-Geschichten, Shortland und ihre Hauptdarstellerin Abbie Cornish vermögen es aber den Zuschauer in einer Mischung aus Distanz und Einfühlsamkeit zu bewegen, die Kameraarbeit von Robert Humphreys tut ihr übriges.

The Rocky Horror Picture Show, 1975, Jim Sharman

Kult – was für ein abgenudelter Begriff. Ursprünglich eine Bezeichnung für die Gesamtheit religiöser Handlungen, wanderte dass Wort irgendwann in den Bereich der Populär-Kultur ab, um von Fernsehserien über Comics bis zu Werken und Persönlichkeiten aus Film und Musik alles zu bezeichnen was in irgendeiner Form so etwas wie Strahlkraft verströmte, und sei es aus einer Skurrilität heraus. Irgendwann begann eine Inflantion des Begriffes, und in den Neunziger Jahren wurde jede x-beliebige Boygroup mit dem Begriff „Kultband“ belegt. Ob man das Wort mit K heute noch unbefangen verwenden kann, ohne dass es lächerlich, altbacken oder unoriginell wirkt? Nun, gibt es den ein cineastisches Werk auf das der Begriff „Kult-Film“ zutrifft wie auf kein zweites?

Nun, ich könnte jetzt Name-Dropping betreiben, aber ich denke es reicht wenn wir uns der „Rocky Horror Picture Show“ zuwenden, diesem legendären Streifen von 1975, vom sonst eher unbekannten Australier Jim Sharman. Anfangs von der Kritik verrissen, entwickelte sich im Laufe der Zeit eine fast abgöttische Verehrung des Werkes, eine Entwicklung die ich gerne etwas näher untersuchen würde.

Auf den ersten Blick ist die R.H.P.S. eine Parodie auf die Science-Fiction-Filme der Fünfziger Jahre, wie sie auch im Vorspann erwähnt werden. Aber das allein erklärt natürlich nicht den Status, den dieses Werk hat. Es ist wohl die Kombination aus Gegenüberstellung von Bigotterie und Exzentrik, der unter- und oberschwelligen Homoerotik, dem trashigen Charme und dem (wohl absolut ernstgemeinten) Plädoyer für Selbstverwirklichung und Offenheit. Ich durfte dem Film vor nicht allzulanger Zeit mit dem User Zappa1 in einem Münchner Kino beiwohnen. Wir beide waren sehr positiv überrascht wie dieser 40 Jahre alte Film auch von einem jungen Publikum begeistert aufgenommen wurde. Neben den oben erwähnten Punkten die ihn zum besonderen Kinoereignis machen, muss man bei diesem Filme natürlich noch dass Gemeinschaftserlebnis dazu zählen, die zum Ritual gewordene Aufzählung von „Booooring“, „Asshole“ und so weiter…Und das über mehrere Generationen!